Stewart Cunningham fondatore e leader dei Leadfinger è sicuramente da annoverare tra i migliori compositori dell’era moderna del rock australiano. La conferma è arrivata con la pubblicazione di “Silver & Black” (Golden Robot Records) sesto album della band uscito lo scorso mese di febbraio (recensione). Un album dove il suo autore ha esorcizzato le sue vicende personali, il cancro ai polmoni che lo ha colpito quattro anni fa, il rischio di morire e nell’ipotesi meno infausta, dovere chiudere per sempre con la musica. In seguito, la pandemia e la paralisi totale del mondo della musica, che hanno minato le certezze di tutti gli operatori del settore in ogni parte del mondo. Ne è venuto fuori un album ricco di bei suoni e molto profondo nei temi trattati nei testi che hanno travalicato la sfera personale e che hanno assunto un respiro più ampio. Di tutti questi temi abbiamo parlato con Cunnigham, in questa intervista sviluppata via mail.
Allora Stew, innanzi tutto come stai?
“Sto bene Eliseno, mi dispiace di averci messo così tanto a risponderti. È stato un periodo impegnativo per la band e con le importanti elezioni in corso qui in Australia, la politica mi ha alquanto distratto”.
Con tutte le cose che sono successe in questi ultimi anni il lasso di tempo che trascorre tra un disco e l’altro, sembra quasi non avere più importanza, come avete superato il lungo periodo di inattività?
“Ho dovuto affrontare gravi problemi di salute che sono iniziati nel 2018 e poi nel 2020 le cose hanno iniziato a migliorare per me. Ho sfiorato la morte e mi ci è voluto molto tempo per riprendermi. Stavo uscendo da questo periodo molto difficile quando è arrivato Covid-19. Per me non è stata una grande delusione, come lo è stata per altri, perché ero già stato costretto a fare l’eremita per quasi due anni a causa dei miei problemi di salute. Covid/pandemia/lockdown significava che avevo più tempo per recuperare la mia salute e, da qualche parte, i Leadfinger hanno ricominciato a provare. Non ero nemmeno sicuro che sarei stato in grado di suonare e cantare di nuovo; quindi, è stato bello avere del tempo a disposizione e provare alcune cose senza alcuna pressione. Avevo scritto alcune nuove canzoni, così siamo andati alle prove della band e ci siamo divertiti a suonare. Credo che per tutti i membri della band sia stato qualcosa che ci ha distolto dalle restrizioni e dall’impossibilità di andare da qualsiasi parte. Tra un blocco e l’altro siamo riusciti a registrare, quindi abbiamo avuto un po’ di fortuna dalla nostra parte. Ci sono state anche alcune false partenze e interruzioni, ma per la maggior parte siamo stati in grado di adattarci e di trovare un modo per realizzare questo album”.
“Silver & Black” è senza ombra di dubbio il vostro album migliore e personalmente credo sia un capolavoro dell’era moderna del rock australiano, sei soddisfatto di come è venuto e dell’accoglienza ricevuta?
“Sono solo molto felice di aver avuto l’opportunità di fare un altro album dopo tutto quello che è successo negli ultimi quattro anni. Sì, sono soddisfatto, dal punto di vista sonoro è sicuramente il nostro album migliore. Credo che sarebbe stato ancora migliore se fossimo riusciti a suonare alcune canzoni dal vivo qualche volta… ma nessuno era in grado di suonare dal vivo all’epoca; quindi, è così che stanno le cose. Nell’album precedente, “Friday Night Heroes”, siamo riusciti a suonare quasi tutte le canzoni dal vivo prima di registrarle ed è abbastanza buono, ma non suona bene come “Silver & Black”. Non so bene come sia stato accolto, so che le recensioni underground di vecchi contatti che conosco sono state fantastiche, ma è stato per lo più ignorato dalle radio e dall’industria musicale mainstream in Australia. Non c’è da sorprendersi. Sarò più interessato a vedere se l’album produrrà qualcosa di buono nel prossimo anno o giù di lì, forse riusciremo a tornare in Europa o a ottenere qualche buon concerto di supporto. Una cosa di cui sono molto soddisfatto è l’edizione in vinile di Silver & Black. È fantastica. Alcune persone che stimo mi hanno detto che è un’ottima stampa in vinile e che amano il modo in cui scorre con le tre facciate e le canzoni in più rispetto alla versione digitale/CD”
Per chi conosce i gravi problemi di salute che hai dovuto affrontare si può pensare che “Silver & Balck” sia un album molto personale, che racconta dello spettro della morte che hai visto da vicino e della rinascita conseguente. Ma se lo guardiamo solo da questa prospettiva rischiamo di sminuire la reale portata di queste canzoni, non trovi?
“Nessuna arte è possibile senza una danza con la morte” – ho letto di recente in un libro (Mattatoio 5 – Kurt Vonnegut) … Credo che anche Ernest Hemingway fosse molto ossessionato dalla morte. Forse lo siamo tutti? Negli ultimi tempi ho avuto molti incontri con la morte; quindi, se questo non ti scuote e non ti motiva, niente lo farà. Ho sempre cercato di fare in modo che le canzoni che scrivo avessero un’attrattiva più ampia e che fossero riferibili a tutti gli ascoltatori. Non mi piace che le canzoni riguardino solo me stesso e non abbiano alcun significato per gli altri. Cerco di uscire dalla mia esperienza e di comprenderla, senza essere troppo serio. Non voglio che l’ascoltatore debba conoscere la mia storia per capire il testo. Mi piace anche il power pop e la melodia, quindi voglio che anche la melodia, l’armonia e la potenza siano presenti nella musica, che è importante quanto i testi per trasmettere sensazioni e stati d’animo”.
“Dodge the Bullet” (primo brano dell’album n.d.i.) parla ovviamente della mia esperienza personale, ma credo che la maggior parte delle persone possa immedesimarsi in chi è stato vicino alla morte o ha quasi perso qualcuno che amava. C’è anche un pizzico di umorismo e di gioia, nella musica, nell’armonica e nel canto gioioso e libero alla fine… è solo dopo aver evitato il Tristo Mietitore che puoi cantare e riderne. Bisogna riderci sopra, è un modo per affrontare il trauma e andare avanti. “Sleeping Dogs” è un altro di questi brani… per me è essenzialmente una canzone motivazionale: “Continua ad andare avanti, non lasciare che il passato mi perseguiti”… per me era vita e morte, continuare ad andare avanti o altro, ma altri possono interpretare la canzone in modo diverso. Forse alcuni penseranno semplicemente al loro animale domestico, che amano e a quanto è carino quel cane quando dorme!!! (ride)
Certamente “Dodged a Bullet” e “Sleeping Dogs” sono più personali, mentre “One More Day” e “Find The Words” possono essere fatte proprie da qualsiasi ascoltatore. Personalmente mi sono ritrovato molto nella seconda, ripensando a quando ho dovuto dare a mia madre la notizia della morte per covid di mio fratello.
“Sì, esattamente. “One More Day” è un altro esempio, è una canzone rock davvero potente con molta energia e anche prima che arrivi la voce il messaggio di quella canzone è nel suono della chitarra e nei ritmi, è emozionante, intenso e al limite del rock’n’roll… questo è in definitiva ciò che la vita è per tutti noi se ci pensiamo… ma di solito non lo facciamo! Diamo per scontato che domani ci sveglieremo come al solito, ma ogni tanto la vita ci dice o ci ricorda di sfruttarla al massimo perché un giorno finirà.
“Find the Words” è una canzone di cui sono molto orgoglioso. È forse la più grande “canzone” di Silver & Black. È stato molto catartico suonarla dal vivo, molto potente e anche piacevole nel suo fluire e rifluire. La vita ha quei momenti in cui ci fermiamo e dobbiamo pensare, non ci sono parole o dobbiamo aspettare e sperare che arrivino le parole giuste. Non riesco a immaginare quanto debba essere stato difficile dare a tua madre una notizia del genere, ma so che la mia esperienza personale, quando ho dovuto dire alla mia compagna che avevo il cancro ed ero in pericolo di vita, è stato molto difficile perché significava che anch’io dovevo affrontare pienamente questa notizia. Parlarne lo rende reale e credo che la canzone parli anche di questo. Tutti si saranno trovati nella situazione di dover dare una notizia triste, che può riguardare la fine di una relazione o la scomparsa di parenti o amici stretti, è uno schifo ma, invecchiando, capisci che fa parte della vita. Ammetto di aver passato dei momenti molto tristi che si riflettono in questa canzone… non tutti vogliono ascoltare una canzone triste, ma per me era qualcosa che dovevo scrivere, dovevo esprimere questi sentimenti. Sentimenti di paura, ma anche di speranza e di bisogno dell’aiuto della famiglia e degli amici. ‘Find the Words’ è una canzone interessante anche per i tempi in cui viviamo, alcune persone mi hanno detto che l’intero album e soprattutto questo brano riflette lo stato d’animo dei tempi della pandemia e il suo impatto sulle loro vite”.
Dopo i primi ascolti di “Silver & Black” ho pensato che il tuo songwriting sia diventato più maturo, è cresciuto in maniera esponenziale con i dischi e con il lavoro della band in fase di arrangiamento che ha dato un calore sorprendente sia ai brani più veloci che, in particolar modo alle ballate più evocative, non era facile visto che ci troviamo davanti ad un disco suonato solo con chitarre, basso e batteria.
“Beh, ho pensato di inserire più strumentazione… pianoforte e chitarre acustiche, eccetera, credo che si sarebbero adattate a molte delle canzoni, ma abbiamo deciso di registrare un album ‘rock’ e soprattutto un album di ‘chitarra elettrica’. Quindi, con questo obiettivo in mente prima dell’inizio delle registrazioni, so per errori passati che non è bene cambiare direzione a metà strada… è pericoloso e può facilmente rovinare la registrazione. Così, quando è arrivato il momento di fare le sovraincisioni e di aggiungere un po’ di melodia, ho deciso di non coinvolgere altri strumenti, ma di concentrarmi solo sulle chitarre e di portarle in un posto interessante – credo di esserci riuscito con l’aiuto del feedback controllato, del double tracking e dell’armonizzazione delle linee di chitarra. C’è anche una grande quantità di voci e cori, molto importanti. La differenza più importante di questo album è che sono stato molto più critico nei confronti della mia voce rispetto al passato, ho fatto più attenzione a ottenere cose il più possibile vicine alla perfezione, è il miglior cantato che abbia mai fatto”.
“Per quanto riguarda il songwriting e gli arrangiamenti delle canzoni, ho sempre cercato di progredire con ogni album dei Leadfinger e con questo disco ero determinato a imparare dagli errori del passato e a migliorare. Parte della maturazione come autore di canzoni è anche sapere cosa lasciare fuori, questo richiede molto coraggio e avere un produttore è stato di grande aiuto questa volta. Probabilmente ho fatto impazzire tutti i membri della band con tutte le mie modifiche alle canzoni ogni settimana quando ci incontravamo per le prove, ma ero determinato a non avere rimpianti questa volta – Girl on a Bus (una delle tre bonus track presenti nell’edizione in vinile n.d.i.) è un buon esempio di quanto ci siamo spinti oltre – un arrangiamento molto complesso e alcuni cambi di accordi molto belli – quasi una mini-opera rock”.
“Ho avuto la fortuna di essere qui per realizzare questo album, quindi non c’era modo di scendere a compromessi sugli arrangiamenti delle canzoni. Mi è sempre piaciuto trovare accordi strani e progressioni di accordi, inventive e cambi interessanti, per me è un aspetto molto gratificante del suonare la chitarra da 30 anni, è diventato più facile, ho molta fiducia nelle mie capacità di chitarrista creativo”.
“The Fall of Rome” credo sia una delle migliori canzoni in assoluto del repertorio dei Leadfinger, sia per la scrittura che per l’arrangiamento. Ci racconti com’è nata e del bel video che l’accompagna?
“Grazie… la registrazione di questa canzone è venuta molto bene. È la canzone più interessante e poetica dell’album. ‘The Fall of Rome’ mi è arrivata in sogno. Non è una cosa abituale. Mi sono svegliato con l’idea e una melodia ossessionante, frammenti di testo e una sensazione, lo stato d’animo della canzone… Di solito non scrivo le cose, cerco di ricordarle per lavorarci dopo, ma in questo caso era diverso. Il sogno è stato così potente e commovente e anche eccitante che ho scritto tutto quello che riuscivo a ricordare non appena mi sono svegliato. Nel sogno mi trovavo in una città antica, forse Roma?… ma non lo so con certezza, e un uomo mi stava mostrando delle vecchie rovine e mentre salivamo delle scale mi parlava della canzone che avevo scritto e di come fosse un grande successo (lo so, è un po’ buffo). Mi ha fatto i complimenti per la canzone e per quanto fosse bella e naturalmente la canzone, struggente, bella ed epica, suonava nel sogno mentre camminavamo. Non posso entrare in tutti i dettagli qui, meglio ascoltare la canzone!!! È una canzone sull’amore e su come tutto debba finire, ma non è davvero la fine, tutto continua a vivere in qualche modo… la metafora dell’impero romano, scomparso ma che continua a vivere in tanti modi. Ognuno di noi lascia un segno e lascia dietro di sé qualcosa che continua. Forse avevo guardato qualche documentario o il Gladiatore qualche sera prima e questo è emerso nel mio sogno? L’atmosfera mi ricorda un po’ Don’t Fear the Reaper dei Blue Oyster Cult, ma non era intenzionale.
“Il video è stato realizzato con molta fortuna e provando un po’ di cose. È venuto molto meglio di quanto avessi mai immaginato. Durante la serrata di Covid, non potevamo riunirci come band per fare un video e non potevamo nemmeno assumere qualcuno per farlo, perché a nessuno era permesso di lasciare il proprio sobborgo o la propria città. Così ho avuto tempo a disposizione e ho deciso di provare qualcosa di diverso e di realizzare qualcosa di lo-fi a casa mia. Ho pensato che il riff principale della chitarra di “The Fall of Rome” fosse piuttosto interessante per il modo in cui la diteggiatura ballava sulla tastiera, e anche la chitarra che ho usato per l’album, la Epiphone Casino sunburst, è una chitarra molto bella; quindi, ho usato queste due cose come elementi visivi principali. Il tutto si è sviluppato nel corso di alcune notti di tentativi ed errori con l’illuminazione. Una volta che ha iniziato ad avere un bell’aspetto, mi sono reso conto che mi servivano delle riprese aggiuntive di vere e proprie rovine romane per dare più spessore al tutto, così ho contattato il mio vecchio amico rock Roberto Calabrò, che mi ha aiutato a ottenere le riprese aggiuntive da alcuni suoi amici a Roma. Poco prima della data di uscita, l’isolamento è terminato, così ho potuto filmare un po’ Michael e Reggie (chitarrista e bassista della band n.d.i.) proprio alla fine e includere anche loro nel clip. A volte non posso fare a meno di pensare che il video e la canzone siano un po’ alla “Spinal Tap”… ma tutto il buon rock’n’roll dovrebbe essere un po’ sopra le righe. Devi sospendere le tue convinzioni per godertelo davvero”.
In “You Oughtta Know” racconti della tua esperienza di musicista e di questi anni nei Leadfinger. Sei soddisfatto di tutto il tuo percorso e cosa c’è di diverso in questa band rispetto a quelle che ti hanno visto protagonista in precedenza?
“Non sono del tutto soddisfatto, no. Tante occasioni mancate e decisioni sbagliate. Questo vale per tutti i gruppi in cui ho suonato, dai Proton Energy Pills agli Asteroid B-612, dai Brother Brick agli Yes Men, fino ai Leadfinger… Ho messo il mio cuore e la mia anima in tutte queste band, ho scritto tutte queste grandi canzoni (nella mia mente ce ne sono molte) – molte delle quali non hanno ricevuto il giusto trattamento in fase di registrazione o non sono state suonate bene il giorno in cui le abbiamo registrate, e tutti i grandi concerti (e quelli terribili a causa del troppo bere ecc.)… sì, molti rimpianti e insoddisfazioni, molti tradimenti e delusioni. Ma anche tanti bei momenti e cose belle. Accetto che sia così, anch’io sono un personaggio pieno di difetti, così come tutti i gruppi in cui ho suonato avevano dei difetti. Credo che sia stato il modo in cui sono stato cresciuto, eravamo una famiglia disfunzionale molto povera che veniva dalla parte sbagliata della strada, ecc. I bravi ragazzi non suonano il rock’n’roll!!! (ride). Avrei voluto guadagnarmi da vivere con il rock’n’roll o almeno avere un budget maggiore e il supporto di qualche etichetta per alcune registrazioni. La cosa diversa di Leadfinger è che è riuscito a rimanere positivo e a continuare a svilupparsi. Abbiamo persino mantenuto la stessa formazione dal 2009 ad oggi. Siamo ancora amici nella band e ci divertiamo molto quando siamo insieme. Siamo più consapevoli del nostro posto nello schema delle cose; quindi, non sentiamo la pressione di avere successo o di essere qualcosa che non siamo. C’è ancora un barlume di speranza che forse otterremo qualche altra ricompensa dal lavoro che abbiamo fatto… un altro tour europeo sarebbe fantastico. Forse un altro album. Vedremo. Ma You Oughtta Know parla proprio di questo… c’è un po’ di umorismo nei testi, del tipo “non posso credere che lo sto ancora facendo”. Ma mi piace farlo, mi piace suonare la chitarra e scrivere canzoni, pensavo di dover smettere dopo quello che è successo con la mia malattia; quindi, è un po’ un miracolo essere ancora qui. È anche divertente”.
“Silver & Black” contiene grandi canzoni rock come “Nobody Knows” e “Stop Running Away” oltre ad essere chiusa dalla stupenda “Here Come the Bats” cosa puoi dirci a proposito?
“Sono stato ispirato a scrivere ‘Here Come the Bats’ quando qui in Australia ci sono stati degli incendi catastrofici all’inizio del gennaio 2020. All’epoca ero molto malato e riuscivo a camminare solo per 500 metri fino al parco alla fine della mia strada, dove mi sedevo su una panchina per riposare e poi tornavo indietro. Facevo quella passeggiata ogni sera al tramonto, ma stava accadendo una cosa strana… in questa parte dell’Australia era tutto in fiamme e pieno di fumo, tranne qui dove vivo a Helensburgh, una piccola città vicino alla costa (un’ora a sud di Sydney)… Poiché qui non c’era fumo, un’enorme colonia di pipistrelli si era rifugiata nella piccola valle dietro a dove vivo, che fa parte del Parco Nazionale e quindi è piena di grandi alberi e ha un aspetto molto ombreggiato e fresco durante il giorno. Non era mai successo prima, raramente avevo visto un pipistrello da queste parti!… Così me ne stavo lì a riflettere sul senso della mia vita e a commiserarmi, chiedendomi se sarei sopravvissuta al cancro, e lentamente i pipistrelli apparivano volando tutto intorno nel cielo del crepuscolo. Era surreale e lo trovavo stimolante e affascinante. Come me, questi animali si stavano rifugiando in questo piccolo angolo di mondo. Si nascondevano, ma continuavano a fare le loro cose da pipistrelli, uscendo al crepuscolo per cercare cibo. C’era qualcosa di stimolante in questo per me”.
Tutti penseranno che questa canzone parli di Covid o Wuhan o qualcosa del genere a causa del titolo, il che è ironico visto che in realtà si tratta di una canzone sulla rilevanza delle parole, dei testi ecc. Si tratta del significato delle canzoni e del fatto che alle persone interessino le parole o l’esperienza di chi le scrive/canta… la comunicazione, l’arte, il significato, ecc… è possibile esprimere ciò che sto vivendo e a chi importa? Ecco perché è un testo così aperto e vago… volevo una canzone che non avesse un chiaro significato specifico, così che l’ascoltatore dovesse sviluppare il proprio significato”.
“I pipistrelli se ne sono andati, erano solo in visita… ma io sono ancora qui e sono grato di esserlo”.
Finalmente siete tornati a suonare dal vivo raccontaci delle sensazioni provate e come vengono accolte dal pubblico le nuove canzoni?
È un momento strano per tornare a suonare dal vivo e abbiamo fatto solo una decina di concerti negli ultimi sei mesi. Naturalmente è fantastico, ma c’è anche un’aria di incertezza dal punto di vista del pubblico, dei locali e delle band qui in Australia. La gente continua ad ammalarsi di Covid qui, più che mai in questo momento (maggio 2022) e i concerti vengono ancora cancellati, cambiati, rimandati, il che può essere piuttosto frustrante e un po’ estenuante. Alcune persone non vogliono ancora uscire, il che è giusto. Ma dopo tutto il tempo trascorso a suonare queste canzoni in sala prove, è davvero esaltante suonarle su un palco e scatenarsi di nuovo. La risposta è stata molto positiva. Non credo che la gente abbia la possibilità di vedere una band come noi molto spesso. Sappiamo suonare davvero e le dinamiche di queste nuove canzoni e degli arrangiamenti sono complesse, stimolanti e interessanti. Non abbiamo espedienti o travestimenti per intrattenere il pubblico, quindi spesso le nostre folle si limitano a guardare intensamente. Il feedback arriva solo quando si finisce, ed è sempre molto lusinghiero. Probabilmente i brani che vanno per la maggiore dal vivo sono Nobody Knows, The Fall of Rome e Stop Running Away”.
Potremo sperare in un futuro tour europeo?
“È una domanda difficile a cui rispondere in questo momento. Siamo autogestiti, quindi la mia attenzione si è concentrata sul suonare e sul cercare di promuovere l’album in Australia nel miglior modo possibile. Questo non mi ha lasciato molto tempo per pensare di tornare in Europa. Realisticamente, ora è più probabile che accada nel 2023. Ci siamo divertiti tantissimo nel 2017, quando siamo andati in Francia, Svizzera e Spagna, e vorremmo davvero rifarlo e suonare in più posti, ma al momento non ho notizie certe in merito”.
Per concludere vorrei un tuo ricordo su Chris Bailey (leggendario fontman dei The Saints, scomparso poco tempo fa n.d.i.) lui non è riuscito a ‘schivare il proiettile’, cosa hai pensato quando hai sentito la notizia?
Che ruolo ha avuto la sua musica nel tuo essere musicista e nel rock australiano?
“Mi ha fatto fermare di sicuro, ma onestamente non ero scioccato o sorpreso, per quanto possa sembrare terribile. Quando si invecchia si arriva in un certo senso ad aspettarsi la morte, sapevo che aveva 60 anni e che aveva vissuto una grande vita. Nessuno va avanti per sempre e tanti ci hanno lasciato… Spencer P. Jones, Damien Lovelock, Brian Hooper e recentemente John Nolan (che aveva solo pochi anni più di me)…Non ho una lista ma sono quelli che mi vengono in mente. Quindi, sì, mi ha fatto fermare e pensare intensamente a quanto la musica di Chris Bailey abbia fatto parte della mia vita. Ricordo di averlo incontrato a una festa nella casa in cui vivevo a metà degli anni ’90, ci siamo intrattenuti in cucina e abbiamo parlato un po’… Mi sentivo estremamente nervoso, ma è un bel ricordo. Quando ho saputo che era morto ho pensato a questo e a tutte le grandi canzoni che aveva scritto”.
“Per quanto riguarda la sua musica e la sua influenza. Beh, è stato l’eroe della musica underground di questo Paese per quasi due decenni… un mio eroe musicale di sicuro. In Australia quando sono cresciuto c’erano i Saints e i Radio Birdman… le uniche due band che contavano. Con l’avanzare dell’età il mio affetto per i Saints è cresciuto, mentre i Birdman sembravano congelati nel tempo della mia tarda adolescenza. Adoravo l’atteggiamento e lo stile di Baileys, aveva carisma, intelligenza e anche un po’ di umorismo. Adoro la sua produzione post-Kuepper/Saints (dopo aver interrotto i rapporti con il co-autore Ed Kuepper n.d.i.) e ne ammiro lo sforzo, la volontà di svilupparsi come artista, non solo di rimanere nello stesso posto. Era un grande autore di canzoni ed è qualcosa che aspiro a fare anch’io. Ho imparato molte cose da lui, combinava e passava senza sforzo tra punk/pop/folk e blues… qualcosa che ho sempre cercato di fare nei Leadfinger. È significativo che la prima cover che i Leadfinger hanno suonato dal vivo quando ci siamo formati sia stata Ghost Ships di Chris Bailey… è stato un piccolo proclama (soprattutto per me stesso), per allontanarmi dal mio passato di rock band ad alta energia e passare a qualcosa di più maturo e musicale e a un testo incentrato su Chris Bailey. Per quanto riguarda il rock australiano… la maggior parte di esso è superficiale, effimero e troppo ipnotizzato, ma la musica di Chris Bailey è così reale e grintosa. La cosa bella è che viene dall’underground, da persone vere come noi, non da qualche artista prodotto da una major che ha pagato per farsi ascoltare. Bailey ha conquistato i suoi fan attraverso la musica, non attraverso il marketing. Non penso molto alla sua influenza sul rock australiano, per me è l’affetto personale verso di lui e la sua musica che spicca, se altri non lo ascoltano o non gli piace, peggio per loro. I suoi album con e dopo i Kuepper Saints sono tutti straordinari, sia dal punto di vista dei testi che della musica – album davvero di livello mondiale. Sono abbastanza sicuro che nessun altro cantautore australiano abbia fatto registrare una sua canzone a qualcuno come Bruce Springsteen… cos’altro si può dire?”.
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autore: Eliseno Sposato
foto copertina: Emmy Etie
foto live: Sandra Kingston
